El prolijo e influyente compositor, fallecido el día 4 a los 78 años, fue despedido esa misma tarde en el Palacio de Bellas Artes. Con el encabezado que anuncia este trabajo se presentó el diálogo con él en un volumen de los reporteros y colaboradores de la sección cultural de este semanario, que recogieron lo más sobresaliente de la creación nacional en el siglo XX: México: Su apuesta por la cultura. Fue editado en 2003 por Proceso, Grijalbo y la UNAM.
Mario Lavista es considerado como uno de los compositores mexicanos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. ¿El mejor?
En su estudio de los Edificios Condesa, Lavista (México, DF, 3 de abril de 1943) detiene el juicio de posible halago:
“Esa pregunta no la puedo contestar yo. En términos muy generales no se puede bajo ninguna circunstancia decir que fulano es mejor, eso no existe. Para mí lo importante en la vida musical mexicana es que convivimos muchísimos compositores e intérpretes con diferentes lenguajes. La existencia de esta pluralidad es lo que da una riqueza a la vida musical en México, no la presencia de una o dos personas, sino la creación de músicas diferentes. Eso da una vida sana a la música de México.”
Precisamente este lenguaje plural destaca en el siglo XX musical de México:
“Es el siglo más luminoso, el más completo, donde realmente existen no sólo músicos, compositores e intérpretes, sino que México cuenta con las instituciones musicales adecuadas: conservatorios, departamentos de investigación, publicaciones de libros, de discos, de partituras; es decir, todo aquello que arma una infraestructura y permite que un músico se desarrolle y pueda llevar a cabo una vida profesional en un medio adecuado.
“Y pienso, además, que ha dado a los mejores músicos, no podemos encontrar en la época de la Colonia, a pesar de que hay muy buenos músicos mexicanos, compositores a la altura de un Carlos Chávez. No hay en la música una Sor Juana Inés de la Cruz en el siglo XVII; en cambio, en el siglo XX sí hay músicos a la misma altura de los grandes escritores y pintores, de los muralistas. Es el siglo de la música en México en su corta historia, pues son cinco siglos a partir de la Conquista.”
Nacionalismo y ruptura
La amplia obra de Lavista comprende música para cine, danza, teatro, televisión y video láser, e incluye solos, dúos, tríos, cuartetos, quintetos y conjuntos instrumentales, así como para orquesta sinfónica, de cámara, voz y piano, coro, música electroacústica y por computadora, ópera…
Realizó estudios de composición con Carlos Chávez; fue becado por el gobierno francés para tomar cursos con Jean Etienne Marie en la Schola Cantorum, y asistió a seminarios impartidos por Henri Pousseur y Karlheinz Stockhausen. En los años sesenta fundó con otros compositores el grupo Quanta. Obtuvo la beca de la Fundación Guggenheim y fue miembro de la Academia de las Artes (1987), recibiendo en 1991 el Premio Nacional de Ciencias y Artes así como la Medalla Mozart.
En lo personal, si bien Lavista disfruta de las canciones de José Alfredo Jiménez, es proverbial su rechazo al mariachi, ya que “las condiciones sociológicas y sociales en las que se escucha, creo que despiertan ciertos sentimientos, si así se le pueden llamar, que me parecen francamente detestables”. Aparte, como grupo instrumental resulta desequilibrado, pues el mariachi “tiene trompetas que se oyen demasiado en relación con las cuerdas”. Tampoco le preocupa demasiado el nacionalismo musical, pues para él la patria del compositor es la música.
Añade:
“Diría que el nacionalismo tal y como lo practicaron fundamentalmente Carlos Chávez y Silvestre Revueltas fue un nacionalismo moderno. Con esto quiero decir que fue un nacionalismo que era al mismo tiempo una crítica al propio lenguaje; no copiaron un lenguaje heredado, sino que fundaron una nueva gramática, una nueva sintaxis, y con ese nuevo lenguaje hablaron de un México moderno. Cuando Moncayo y Blas Galindo están continuando el nacionalismo musical en los años cincuenta, hay otros autores que no necesariamente lo siguen, como Joaquín Gutiérrez Heras, cuyas búsquedas van por otro camino; pero ambas músicas son mexicanas.”
Aquel nacionalismo encuentra su final con dos acontecimientos: la muerte de Revueltas en 1940 y el abandono del movimiento por el propio Chávez, quien se convierte, a partir de los años cincuenta, en “un compositor de una modernidad impresionante, de un vanguardismo extraordinario”.
–No obstante, Galindo y Moncayo lo continúan.
–La diferencia es que no se trata de un nacionalismo que a su vez cuestione el anterior, es un nacionalismo yo diría ya institucionalizado, suavizado en sus aristas. Sones de mariachi y Huapango toman en ambos casos melodías prestadas, orquestadas de manera muy agradable. No me sorprende, por lo tanto, que sean mucho más populares que las obras de Chávez y de Revueltas, mucho más fáciles de aprender, ligeras, nos remiten inmediatamente a una anécdota o a una geografía muy particular. Creo que por eso tienen tanto éxito, y Huapango casi debería suplir al Himno Nacional, me parece mucho más hermoso. Sin embargo, musicalmente prefiero las obras de Revueltas y de Chávez, son obras de ruptura.
Profesor del Conservatorio Nacional, donde imparte cátedras de composición, análisis y lenguaje musical del siglo XX, Lavista cita a Octavio Paz:
“La única manera que tenemos para continuar una tradición es a través de una ruptura, pues si no hay ruptura hay institucionalización. Así como el PRI, que institucionaliza la Revolución, los nacionalismos posteriores a Chávez y Revueltas institucionalizan el nacionalismo; la ruptura musical se lleva a cabo en los años sesenta. Es el comienzo de la vanguardia; pero también participa Chávez, lo cual es un caso sorprendente.”
–¿Cómo vivió su generación la herencia del nacionalismo?
–Curiosamente, el propio Carlos Chávez funda en los años sesenta un taller de composición, a donde van Eduardo Mata, Héctor Quintanar y otros compositores, yo estuve en ese taller durante cuatro años y ahí jamás vi una obra de él. El fundamento del taller de Chávez era el análisis y la composición de obras de los grandes, desde Bach a Debussy. El estudio de estos grandes maestros era lo que nos iba a permitir no sólo un gran conocimiento de la tradición, sino adquirir el oficio de compositor. Escribí durante cuatro años mucha música, basándome en sonatas, sinfonías, minuetos… El ritmo de trabajo era bestial; Chávez era, como dicen un workaholic, obsesionado con el trabajo.
“En los años sesenta todavía está un poco vigente el nacionalismo, acaba de morir Moncayo, vive todavía Galindo y está una tercera generación de compositores que intenta seguir el nacionalismo con Mario Kuri-Aldana o Leonardo Velázquez; pero me parece ya totalmente fallido. Ante esa generación surge la mía y otra algo mayor que la mía, la de Manuel Enríquez, la cual pugna por ejercer o componer una música muy revolucionaria y totalmente alejada del nacionalismo musical. Es el reverso y empieza a darse en México a finales de los años cincuenta, una música que hace suyos todos los lenguajes que forman parte, ya no de una nación sino de un movimiento mucho más amplio, que es el de la vanguardia musical; pero esta música va a convivir con sus continuadores y con personas de otra escuela de origen modal, por ejemplo Joaquín Gutiérrez Heras, música muy fina, muy refinada que no tiene nada que ver con lo que hacíamos en la vanguardia ni lo que hacía la tercera generación de nacionalistas. Otra opción, nada más”.
–¿Cómo llama a su generación?
–Es una generación de ruptura, coincide con el surgimiento en México de la pintura abstracta, con Vicente Rojo, Manuel Felguérez, Arnaldo Coen, esa época que rompe con los muralistas. Bueno, con José Luis Cuevas, y más o menos coincide con mi generación y con la de Enríquez, también rompiendo totalmente con la escuela nacionalista.
“Señalo lo siguiente: quizás el destino de la música contemporánea del siglo pasado haya sido el mismo que el de la poesía. Un arte que a mi juicio es superior, igual que la música, pero que simplemente lee una minoría. No me preocupa en ese sentido que la música del siglo XX no haya sido escuchada por las mayorías. Tampoco me parece grave.”
Lavista resalta que a finales del siglo XX y comienzos de éste, México y América Latina ven resurgir obras inspiradas en el nacionalismo musical:
“Me parece que es renunciar a la música con un lenguaje propio y a descreer que el compositor latinoamericano tiene un pensamiento abstracto. Hay una idea que se tiene sobre todo dentro de México, y en otros países, de que la música mexicana debe ser exótica, tener algo anecdótico que nos recuerde el Sol o el mar, las pirámides o las palmeras o las faldas cuando danzan ante un son, que son cosas muy anecdóticas. Y este tipo de post-nacionalismo tiene mucho éxito en cuanto a que lo recibe una gran mayoría del público que quiere identificarnos con eso. Pero es dramático, tales tipos de nacionalismos son desastrosos, creo que son una moda. Tienen que ver con sociedades de gusto chabacano y bastante superficial, eso es el post-modernismo, donde vemos la aparición de ‘Los Tres Tenores’, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras, algo de lo más horroroso que podamos escuchar.”
Apunta que para entender buena parte de la música de la segunda mitad del siglo XX es necesario conocer a los nuevos clásicos, entre los que menciona a Berg, Schoenberg, Webern o Messiaen. Y en México:
“Hablamos mucho de Chávez y Revueltas, pero los escuchamos muy poco. Son más populares sus nombres que sus obras. Es decir, ¿cuánta gente escucha Planos, de Revueltas? Se habla de que su música es del pueblo, lo cual me parece una mentira de una demagogia absoluta: no es música del pueblo porque éste no la escucha. Entonces, el fenómeno de la música tiene tres núcleos, no solamente un compositor y un oyente, sino un intermediario, que es el intérprete. Esto no sucede en la poesía, donde están la obra y el lector; en la pintura son la obra y el vidente. Pero en la música no es así, ni en el teatro ni en la danza.
“Señalo esto para tratar de ejemplificar cómo la música del siglo XX es una especie de Torre de Babel, donde cada uno tiene su propio lenguaje y hay tantas corrientes como compositores, donde no hay un lenguaje que unifique a Occidente como sucedió en los siglos XVII, XVIII y XIX, cuando la tonalidad unificó a Occidente.”
Luz y sombra
–¿Qué otros momentos luminosos destaca en el siglo XX?
–El que Chávez funde la que ahora es la Sinfónica Nacional, que se llamaba Orquesta Sinfónica de México, si mal no recuerdo. Estamos hablando de los años veinte, y en los treinta se convierte para la vida musical en algo muy importante, porque estrena las obras de prácticamente todos los compositores mexicanos, al tiempo que las de Stravinski, Hindemith o Shostakovich, es decir, los contemporáneos de la época.
“A mi juicio, otros momentos luminosos se dieron con la llegada de los españoles a México; la fundación de la Escuela Superior de Música, de la Escuela Nacional de Música en la UNAM y, en los años treinta, la creación de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. En los años setenta, la construcción del Centro Cultural Universitario que alberga teatro, danza, cine y la Sala Nezahualcóyotl, una de las más hermosas del mundo. Y en la última década, el nacimiento del Centro Nacional de las Artes que, si bien ha sido muy criticado, funciona.”
Defensor de los derechos de autor de los compositores, Lavista acusa:
“De la misma forma en que he hablado de momentos luminosos en la música en el siglo XX, también ha habido momentos desastrosos, como la muerte de Mata. Pero otro de ellos se da con las pifias de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM); es una vergüenza cómo maneja todo lo referente a los derechos de autor en México. Estamos en manos de una mafia de líderes corruptos cuyo modelo son los peores líderes priistas. El anterior era Carlos Gómez Barrera, duró 27 años al frente, y ahora está Roberto Cantoral con Armando Manzanero, que llevan cerca de 20 años.”
Lavista renunció a la SACM, al igual que otros músicos, como Javier Álvarez, Gabriela Ortiz, Ana Lara, Daniel Catán y Marcela Rodríguez.
“Yo ya no formo parte de esa sociedad mexicana, sino de la española, pues la SACM tiene un pésimo prestigio ante sociedades tan serias como la española, la inglesa o la americana.”
Recuerda que su tío, el músico Raúl Lavista Peinbert (1913-1980), quien realizó música para cine durante medio siglo, tuvo múltiples problemas con Gómez Barrera (1918-1996) “porque no le pagaban el porcentaje que él creía le deberían pagar”:
“Incluso murió debiendo dinero a la SACM, siendo un compositor de 400 películas que siempre se pagan, es decir, no hay momento en que no se pague una película de Raúl Lavista. Y en el caso de los músicos de concierto, tengo la impresión de que esa sociedad paga a discreción. Además, inventaron un sistema interno al que le llaman ‘la pirámide’, que consiste en pagarle al compositor sus derechos de autor aunque la obra no se toque, y para que esto suceda, hacen una clasificación piramidal de las obras: súper joyas, joyas, diamantes, zafiros… y va bajando la escala. A la obra que está en súper joyas, aunque no se toque, le van a pagar derechos de autor. Y claro, ahí encontramos 15 o 20 de Cantoral; pero no está Huapango de Moncayo, que debería estar.”
–¿Es optimista después de la gran eclosión musical del siglo XX?
–Soy optimista en cuanto a la interpretación del instrumentista mexicano, porque realmente es el intérprete contemporáneo de su música, y la toca de manera excelente. Esto me parece fundamental por una sencilla razón: porque si una orquesta toca mal, por ejemplo, una sinfonía de Beethoven, estoy seguro de que los oyentes van a salir de ese concierto diciendo que la sinfonía es muy bella pero que estuvo muy mal tocada, porque tienen ya la información de tal sinfonía de Beethoven. Pero si escuchan una obra de Witold Lutoslawski o de György Ligeti mal tocada, seguro que el oyente saldrá diciendo: “Qué fea obra es la que acabamos de escuchar”. Nunca se van a dar cuenta de que estuvo mal tocada, porque no tienen en la memoria la obra de Ligeti, y porque además no tienen la tradición interpretativa puesto que es una obra nueva.
“Yo, como compositor, creo que uno de los momentos más importantes de la música en México es en los años ochenta, con una nueva generación de intérpretes y solistas que van a ser finalmente contemporáneos en la música y van a encargar música a los compositores vivos de México y otros países.”
Entre ellos menciona al Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, al Trío Neos, al Conjunto Da Capo, a la Camerata de Las Américas dirigida por Roberto Kolb, y a los percusionistas de Tambuco. Concluye:
“Vuelvo a insistir en que una vida sana musicalmente en México no sólo significa la existencia de conciertos, pues éstos deben ser consecuencia de una infraestructura muy poderosa que abarque la formación de músicos en escuelas de música; la existencia de investigadores, de intérpretes, de conjuntos de cámara y de libros, o sea, una crítica musical. En México, sin comparar con otras naciones, como Estados Unidos ni mucho menos, en los últimos años ya existe tal infraestructura. Por ello, cada vez que empiezan a desmantelar una orquesta resulta algo monstruoso, porque no sólo le quitamos a 80 personas su fuente de trabajo, sino que se habla que de suprimir orquestas como si fuera algo natural, debido a la crisis.”
