Con una propuesta que coloca a la pintura en el umbral de dos realidades, Teresa Velázquez (DF, 1962) exhibe su obra más reciente en la Galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México.
Sin necesidad de convertirla en un concepto o de expandirla para demostrar su contemporaneidad, la artista hurga en elementos esenciales de la identidad pictórica demostrando que la buena pintura es más pensamiento que mirada. Trabajada como una unidad en la que los componentes pictóricos trascienden las narrativas representadas, su obra es a la vez figurativa, abstracta, oscura, luminosa, ficticia y real.
A la pintora le gusta jugar con la percepción del espectador. Y aunque en la muestra se exhibe una trampa de ojo que mimetiza la bidimensión con la tridimensión, la selección se concentra en la creación de dos realidades: la imagen que se ve, y la pictoricidad oculta que exige el escrutinio para descubrir lo que perturba en cada pieza.
A simple vista algunas obras parecen paisajes. Pero al mirarlas con detenimiento, la vegetación se manifiesta como un muestrario de registros que incluyen dibujo, empaste, color, luz, sombra y oscuridad. Componentes todos ellos que, en distintas etapas de su trayectoria, han sido unitariamente protagónicos. El resplandor del color en las pasadas décadas de los años ochenta y noventa –una poética con la que destacó notoriamente–, los registros abstractos que provocan las olas al erosionar la arena de la playa en la primera década del siglo XXI, el reflejo del vidrio de la pintura barroca-neerlandesa trabajado como un tema autónomo y, en los últimos años, la exploración del retrato y el autorretrato como una visión en la que ella es una protagonista externa.
Racional y, sin embargo, apasionante, su pintura atrapa al espectador como un acertijo en el que la imagen esconde su verdadera realidad.
Después de presentar en septiembre pasado un espléndido libro editado por el historiador del arte Luis Martín Lozano, en el que se analiza y exhibe toda su trayectoria, Teresa Velázquez sorprende en la Galería Aldama Fine Art con interesantes exploraciones vinculadas al fotorrealismo.
A partir de imágenes digitales que la artista altera en sus dimensiones y contenidos –recortando, por ejemplo, partes de paisajes para convertir rocas, dunas, cielos y cerros en volúmenes abstractos–, las obras de distintos formatos parecen tener como tema el transcurso del tiempo.
Algunas de ellas están trabajadas como secuencias en las que cambia el tono de la luz del aire o de la atmósfera, y develan, atrás o adentro de la imagen, la autonomía de los componentes que permitieron construirla. Las piezas muy pequeñas demuestran que la grandeza artística no depende del tamaño.
Como en toda su obra, cada una tiene también un significado que incide en su intimidad. Y en esta muestra, especialmente, aborda situaciones familiares a través de referencias simbólicas. Los retratos de su hermano y hermanas están contenidos en los ramos de flores que le obsequió cada uno de ellos en su primer cumpleaños después de la muerte de su madre. Representadas como un pretexto simbólico y pictórico, las flores evidencian la autonomía de colores, espacialidades, contrastes y sombras.
El juego con distintos planos de realidad se sintetiza en el título Puesta en abismo. Un término que se refiere a la representación de la imagen de una obra dentro de la misma obra.
Lectora voraz de filosofía y teoría del arte, la artista no produce pintura, la vive como una manera de comprender y resignificar sus mundos.
